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Prenez de belles photo de portrait

 

Einstein en 1951, portrait photographique d'Arthur Sasse.

Image à l’origine mal cadrée qui fut depuis très largement

redécoupée pour arriver à ce portrait.

 


Un peu d’histoire

Le portrait est un genre qui a su traverser les siècles et les civilisations, avec des premières oeuvres datant de l’Ancien Empire égyptien. Cependant, à l’époque, leur intention était très différente de celle des portraits actuels puisque ces premiers portraits étaient destinés aux morts ou aux dieux. Les personnages étaient alors représentés de profil mais avec le buste et un oeil vus de face. Au deuxième siècle, on retrouve également des portraits funéraires peints qui étaient insérés dans les bandelettes au niveau du visage de la momie. Le défunt y était alors représenté en buste, le visage de face. Ce sont les  portraits du Fayoum, mélange de traditions égyptiennes et des influences étrangères qui les enrichirent suite aux invasions et immigrations romaines et grecques.

Des siècles plus tard, notamment grâce à la renaissance, l’art du portrait connut une réelle progression. Les artistes devaient alors proposer des portraits très ressemblants; exigence qui tranche avec les portraits de profil qui étaient encore à la mode.
Par la suite en France, durant le 17ème siècle, le portrait fut délaissé. Sous l’impulsion de l’Académie royale de peinture et de sculpture, la peinture d’Histoire devint un genre supérieur tandis que le portrait, lui, ne représentait plus qu’une spécialité de moindre importance. Nombreux sont les artistes qui préférèrent  réaliser des oeuvres d’imagination ; le principe de ressemblance n’étant pas une nécessité.

 

Le portrait connut un nouvel élan avec la Révolution française, les classes plus aisées appréciant le genre.
C’est alors que, durant le 19ème siècle, apparut la photographie. Elle provoqua un certain chamboulement dans le marché de l’art et du portrait, sans pour autant faire disparaître les oeuvres peintes. En effet, le portrait peint restait le moyen le plus adapté pour obtenir différents formats et une oeuvre en couleurs.

 

Néanmoins, dès ses premières décennies d’existence, la photographie explora la totalité des sous-genres du portrait encore pratiqués de nos jours. Dans un premier temps, il existait une certaine similitude entre portraits photos et portraits peints. Par la suite, le portrait photo prit ses distances avec son aîné, instaura ses propres codes et il finira même par influencer le portrait peint.

 

Bien qu’il subsiste encore des doutes, il est généralement admis que Robert Cornelius réalisa le premier portrait et le premier autoportrait photographique (qui nécessita une quinzaine de minutes de pose totalement immobile).  Admis également le fait que Cornelius fut celui qui réduisit le temps de pose pour rendre possible la réalisation d’un portrait.

Autoportrait de Robert Cornelius

Autoportrait de Robert Cornelius (1839)

 

Si le portrait peint était davantage destiné aux classes les plus aisées, le portrait photographique permit à tout le monde d’avoir une représentation de soi. Bien que les portraits photo aient été condamnés par certains penseurs ou artistes, les studios photo faisaient le plein de clients. Le portrait était alors un genre accessible au plus grand nombre,  générant des objets de décoration. Cette banalisation devint encore plus vraie lorsque les amateurs purent s’offrir des appareils.
Avec le portrait photographique, le 19ème siècle ouvrit l'âge démocratique de la représentation de soi.


Bon, et maintenant… ?

Ce petit résumé historique terminé, nous allons pouvoir passer aux conseils qui devraient vous aider à bien débuter. Néanmoins, quand vous aurez déjà bien pratiqué, n’hésitez pas à laisser ces règles de côté afin de faire vos propres expérimentations.

 

  • Equipement et réglages

En portrait, macro, paysage ou encore photo de rue, l’équipement ne sera pas forcément identique. Ces différences vont notamment porter sur l’objectif, qui aura un impact sur le résultat du shoot.
En effet, selon la focale utilisée, le rendu ne sera pas le même. Il vaut mieux travailler avec une focale de 50 mm (et plus) ; en dessous, un effet de distorsion va se créer. Les formes peuvent alors être dénaturées, surtout si vous shootez près du modèle.

 

De même, le degré de netteté d’une photo (ou piqué) sera meilleur avec un objectif à focale fixe. Après, il est vrai que le piqué reste une notion subjective, exprimée différemment d’un photographe à l’autre. Certains seront exigeants et peu d’images auront grâce à leurs yeux, alors que d’autres seront plus enclins à voir des images tout à fait correctes.

 

Ces mêmes focales fixes vont avoir une ouverture plus grande que les zooms. L’ouverture est importante car elle permet d’isoler le modèle du reste de l’image, de le mettre en valeur. C’est notamment le cas avec une grande valeur de  f/2.8 par exemple. Pour mémoire, plus le chiffre est petit, plus l’ouverture va être grande. Donc à f/2.8, l’ouverture sera très grande et laissera entrer beaucoup plus de lumière qu’à f/32, une ouverture très petite.

 

 

Pour isoler le sujet entier de l’arrière-plan, une ouverture de f/4 est suffisante. Pour mettre en valeur une partie seulement du sujet, une ouverture en f/1.8 sera intéressante. Cela permettra de rendre le visage moins flou mais il faudra aussi faire attention à la mise au point, la profondeur de champ étant réduite.
Globalement, les grandes ouvertures (à partir de f/2.8) vont permettre d’adoucir la peau et de gommer certains petits défauts.

 

Avoir une bonne lumière est tout aussi important en portrait, afin de mettre le modèle dans de bonnes conditions d’exposition. On peut donc s’aider d’accessoires comme le diffuseur. Ce dernier va adoucir la lumière et donc les différentes formes du visage.
Lorsque la lumière naturelle sera très dure, vous pourrez aussi utiliser un mur de couleur neutre en guise de réflecteur. Ce mur va renvoyer, de manière atténuée, la lumière du soleil. Cela ne fonctionnera que si le modèle est assez près du mur en question.


Flash et éclairage complémentaire seront intéressants pour le travail en studio.

 

  • La mise au point

Pour un portrait classique, de face, faites tout d’abord en sorte que le regard soit au centre de l’image. Ensuite la mise au point devra se faire sur le regard du modèle.
Pour un portrait de trois quarts, il est alors indispensable de faire la mise au point sur l’œil le plus proche de l’objectif.  
Après, libre à chacun de faire cette mise au point différemment s’il souhaite obtenir un autre effet.
Dans l'exemple ci-dessous, le contraste de couleurs entre les yeux et la tenue renforce encore plus le centrage et le magnétisme du regard.

 

Sharbat Gula, la jeune fille afghane

“Sharbat Gula, la jeune fille afghane”,

portrait de Steve McCurry, 1984



  • La balance des blancs

Celle-ci doit nous permettre, notamment en post production, d’obtenir des teintes fidèles à celles du modèle. Si la post production vous fait peur, il est possible d’utiliser les modes intégrés dans l’APN. Il faudra de toute façon adapter la balance des blancs à l’éclairage.

 

  • Cadrage et Composition

Le portrait, comme les autres genres photographiques, obéit à des règles (enfin des principes plutôt). La première est la règle des tiers. N’hésitez pas à fouiller dans votre APN afin de vérifier s’il ne propose pas d’afficher cette grille. Celle-ci est composée de 2 lignes horizontales et 2 verticales aussi nommées lignes de force. Ainsi disposées, ces lignes forment 9 cases et leurs intersections sont appelées points de force de l’image. C’est sur au moins un de ces points qu’il faudra positionner le modèle. L’image sera alors plus agréable à parcourir pour le spectateur.

 

Pour accentuer le sentiment de proximité avec le sujet, on peut se passer d’une partie du visage dans le cadre. En l’occurrence, c’est la partie supérieure du front qui sera absente de la photo et le spectateur se concentrera sur les détails du visage. L’image sera plus percutante. On parle alors de portrait photo très serré ou de très gros plan.
Dans cet exemple, le regard de mère Thérésa est mis en valeur pour montrer toute son empathie.

Mère Teresa, Photo de Túrelio, 1986
Mère Teresa, Photo de Túrelio, 1986


Le gros plan traditionnel laissera de la place aux épaules mais la priorité reste les yeux du modèle ainsi que ses traits ou expressions.
On remarque dans cet exemple que la tenue sobre du chef d'entreprise permet une lecture limpide du regard très concentré et déterminé.

Portrait de Steve Jobs
Portrait de Steve Jobs signé Albert Watson


Le plan poitrine permet de photographier à partir du buste du modèle. Ce plan est intéressant pour montrer des vêtements ou autres éléments spécifiques du modèle. Il est pratique aussi pour faire ressortir l’attitude, la posture du modèle sans sortir du genre portrait. Dans cet exemple, le grade militaire est mis en valeur.


Portrait du Général de Gaulle, 1942,  

Office of War Information, Division de l'image d'outre-mer.


Vient ensuite le plan ¾ qui permet de cadrer jusqu’à mi-cuisse. Ainsi, le sujet se dévoile toujours un peu plus. Dans cet exemple la tenue d'époque est mise en valeur sans pour autant perdre le visage dans la composition.

 


Le magicien Houdini, l’auteur de la photo et la date restent inconnus

 

Enfin, dans le plan moyen, le modèle est entièrement présent dans le cadre. Il convient alors de bien faire attention à l’arrière-plan; par exemple pour ne pas se retrouver avec un poteau électrique dans le fond alors que l’on shoote une personne en tenue médiévale. Tant esthétiquement que du point de vue de la cohérence, il y aurait un problème.



Buzz Aldrin, photo de Neil Armstrong, 1969

Buzz Aldrin, photo de Neil Armstrong, 1969

Si vous demandez au modèle de regarder au loin, ne le positionnez pas en bord de champ. Mieux vaut alors lui laisser de l’espace devant le visage afin d’améliorer la composition et de ne pas donner un sentiment de tassement.
Ce même sentiment va se produire d’ailleurs si vous shootez en plongée. Donc il faudra prendre la photo au niveau du regard du modèle voire légèrement en dessous.


Bien que l’on se concentre principalement sur le sujet, laissant ainsi l’arrière-plan dans le flou, ce dernier n’est pas à négliger. En effet, tout en restant minoritaire, l’arrière-plan doit permettre de positionner le sujet dans son environnement, dans un contexte (notamment dans le cas d’un cadrage plus large comme le plan moyen). Si cela enrichit le modèle et que cela correspond à sa personnalité, l’arrière-plan n’aura plus besoin d’être flou, devenant ainsi un élément primordial du portrait.
Si en théorie, on ne doit pas laisser trop d'espace vide dans un portrait, on peut aussi choisir de laisser l’image assez vide pour provoquer un sentiment d’isolement du sujet.


Petits trucs pour finir: si le modèle a du mal à tenir une position, une expression, … utilisez alors le mode rafale. Il y a alors de grandes chances pour que le cliché tant espéré soit dans la série. De plus, si votre modèle n’est pas à l’aise, tentez de le décontracter en échangeant avec lui, en “dédramatisant la situation”. Une fois détendu, il aura des poses plus naturelles.
Si vous shootez en mode rafale, n'exagérez pas non plus: gardez en tête qu'il est parfois long de trier toutes vos photos!

 

Selon la morphologie des modèles et l’effet espéré, shooter de trois quarts peut permettre d’affiner les silhouettes. Donc à l’inverse, la photo de face donne plus de carrure. Mais dans la majorité cas de portraits classiques, il faut que le modèle incline légèrement la tête vers le bas. Il s’agit là d’une raison esthétique puisque cela atténue, voire cache complètement le double-menton (si le modèle en a un bien évidemment). Le spectateur ne va donc pas se perdre sur ce détail et va bien rester concentré sur le regard du modèle.

 

Enfin, si la lumière extérieure est vraiment trop importante, forçant le modèle à plisser les yeux ou générant des ombres disgracieuses sur le visage, placez votre sujet à l’ombre. Terminée alors la lumière ingrate.  Selon le type de sol, ce dernier pourra même agir comme réflecteur naturel. Et n’hésitez pas à déplacer le modèle dans l’ombre car cela génèrera également des résultats différents; jouer avec l’ombre et la lumière permettra d’obtenir des portraits originaux et aussi de dissimuler certains détails gênants.


Et vous chers lecteurs, avez-vous des exemples de photo de portrait à nous partager en commentaire?

A propos de l'auteur

Pit

Pit

Passionné par la création d’image et grand rêveur dans l’âme, la photographie m’a permis de combler ce désir de raconter une histoire sans avoir à y passer 10 heures. C’est cette capture narrative qui me fascine le plus. Par conséquent, je me focalise en général davantage sur la créativité que sur la technique pure. Ne me demandez donc pas si je préfère une marque ou une autre: c'est le cadet de mes soucis ! ;)

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